【文艺浅谈】怎样快速看懂“文艺复兴三杰” 134594

文艺复兴（Renaissance）是一场欧洲思想文化运动，它盛行于14世纪到16世纪。文艺复兴时期提倡人文主义精神，而人文主义精神的核心是提出以人为中心而不是以神为中心，充分肯定人的价值和尊严。主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性的解放，反对愚昧迷信的神学思想，认为人是现实生活的创造者和主人。说到文艺复兴时期的绘画艺术，文艺复兴三杰拉斐尔、达芬奇、米开朗基罗是绕不开的焦点也是这一时期最具代表性的人物。

达芬奇全名为莱昂纳多·达·芬奇（1452—1519），他不仅是文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。达芬奇是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。看到这样多的头衔，我不仅感叹他简直就是旷世奇才，怕是这世间几百年才会出现这样一位吧。达芬奇一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面达芬奇也同时研究自然科学，为了获得更为真实感人的艺术形象，达芬奇广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多个学科。

达芬奇出生1452年4月15日在意大利佛罗伦萨附近的海滨小镇——芬奇镇，达芬奇的父亲皮耶罗·达·芬奇是佛罗伦萨有名的公证人，所以达芬奇有着优渥的生活。在达芬奇14岁的时候父亲皮耶罗·达·芬奇确信儿子有绘画天赋，便将他送往佛罗伦萨，师从着名的画家韦罗基奥（Andrea del Verrocchio 1435-1488），开始系统地学习造型艺术。 老师韦罗基奥的画室是当时佛罗伦萨着名的艺术中心，经常有意大利人文主义者在这里聚会，讨论各种学术问题。在这里，达芬奇结识了一大批知名的画家、科学家和人文主义者，开始逐渐接受人文主义的熏陶。 在20岁时达芬奇已经有了很高的艺术造诣，他用画笔和雕刻刀娴熟的表现着现实生活的真、善、美和以及大自然的神奇。

达芬奇的杰作《蒙娜丽莎》《抱银鼠的女子》《卢克雷齐亚·克里韦利》和《最后的晚餐》，体现了他精湛的艺术造诣和无与伦比的绘画才能，不仅如此，达芬奇还擅长雕刻、音乐、通晓数学、生理、物理、天文、地质等科，一生保存下来的手稿大约有6000页。在达芬奇看来人体是自然中最美的研究对象，大自然的奇妙之作，世界上最难画的最难去表现的就是人，而达芬奇则是人类历史上唯一一位人物肖像画作和照相机拍的照片几乎一样的画家。进入晚年后达芬奇极少作画，而是开始潜心科学研究，去世时留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。达芬奇一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。

壁画《最后的晚餐》是世界美术宝库中无可争议的最完美的典范杰作。达芬奇将这幅画直接画在了米兰一座修道院的餐厅的墙壁上。画面中沿着餐桌坐着耶稣的十二个门徒，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。这幅壁画利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是一片祥和的景象，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。这幅 《最后的晚餐》题材于自圣经故事。犹大向罗马人告密，于是耶稣在即将被捕前，与十二门徒共进晚餐，席间耶稣镇定地说出了有人出卖他的消息，达芬奇的这幅作品恰恰表现的就是耶稣说出这一句话时的情景。他通过各种手法，生动地刻画了耶稣的沉静、安详，以及十二门徒各自不同的姿态、表情，这一旷世巨作所传达出的心理内容十分丰富。

油画《蒙娜丽莎》则是达芬奇又一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义时期一位贵族妇女的形象。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被世人称为“神秘的微笑”。

千百年来关于这幅油画的讨论始终没有消失，关于画中妇人究竟是谁，一直以来众说纷纭。美术史家乔治·瓦萨里在他的书中这样写道：“达芬奇创作这幅油画的动机，是由于蒙娜丽莎长得非常漂亮。为了在画中充分表现出来，他做了周密的准备之后才着手创作……无论谁看到芬奇这幅画的时候都会发现一种永恒的微笑呈现在夫人的脸上，它似乎不是出自人类之手，而是上帝创造的真正艺术。所以这幅画被公认为胜过以前所有肖像画的世界杰作，也绝非偶然。”

名画《维特鲁威人》（HomoVitruvianus），同样出自文艺复兴艺术巨匠达芬奇之手，画名是根据古罗马杰出的建筑家维特鲁威（Vitruvii）的名字而来的，这位伟大的建筑家在他的着作《建筑十书》中曾盛赞人体比例和黄金分割。“维特鲁威人”也是达芬奇以比例最精准的男性为蓝本，因此后世也常以“完美比例”来形容画中的男性。

这幅《维特鲁威人》是一副钢笔和墨水绘制的手稿，现被收藏于意大利威尼斯的学院美术馆中，和大部分纸质作品一样，它只会偶尔才被展出。从维特鲁威在书中的前后论述看，他其实是在讲神庙的均衡，而均衡又是由比例得来的。古罗马时期的建筑家认为，比例是在一切建筑中细部和整体服从一定的模量而产生均衡的方法。《建筑十书》中有这样的描述“实际上，没有均衡或比例，就不可能有任何神庙的位置。即与姿态漂亮的人体相似，要有正确分配的肢体”。

拉斐尔同样是文艺复兴三杰之一。着名的意大利杰出的画家，他是三杰中最年轻的一位。拉斐尔的作品博采众家之长，形成了自己独树一帜的风格，是手法主义的代表人物。他的作品反映了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。拉斐尔英年早逝，年仅37岁便离开了人世，后葬于万神庙。由于他的勤勉给世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。

拉斐尔一生中所绘画的圣母画像都以母性的温柔以及青春健美完美的体现了人文主义思想。在这其中最负盛名的是《安西帝圣母》、《草地上的圣母》和《佛利诺的圣母》。在1513年-1514年期间所绘制的大型油画《西斯廷圣母》则是拉斐尔又一心血之作，整幅作品由圣母和圣徒组成的三角形构图，庄重均衡，圣母和耶稣表现了母爱的伟大和神圣。另外，《椅上圣母子》、《阿尔巴圣母》都是拉斐尔完美无瑕的绘画作品。

《西斯廷圣母》这副作品展示了惊人的朴素，毫无艺术上的虚伪和造作，于单纯中孕育着深奥。画面就像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踏祥云，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象温婉动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，这是拉斐尔的画中最美最传神的一部分。 人们追随小天使向上的目光最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。作品塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。13世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌：她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。

这幅《草地上的圣母》现藏于奥地利维也纳美术馆。我在维也纳游玩的时候也曾去美术馆欣赏过这幅作品。 站在画前完全是一种神圣仁慈的感觉，拉斐尔借助圣母马利亚之名，称颂了一般人类母性的光辉，更加体现了他的人文主义思想。这幅画作以现实生活中的母亲和儿童作模特儿，拉斐尔将圣母、圣子理想化，使其形象温柔娴淑，塑造了一个生活中年轻美丽的少妇怀抱着可爱的婴孩，脸上洋溢着幸福和欢乐。画作中的人物被描绘的令人赞叹不已，圣母身着红色长裙与蓝色的斗篷，这样的色彩组合是有着象征意义的，蓝色代表教会的神圣而红色则象征耶稣殉难。圣母俯视着两个孩子，她的表情使人难以忘怀。整幅作品线条柔和色彩温和明亮，充满了仁爱和谐的氛围。将伟大美好的母爱展现的淋漓尽致。拉斐尔的性情平和、文雅，这在他的画作中也有所表现。

米开朗基罗（1475－1564），全名米开朗基罗·迪·洛多维科 （Buonarroti Simoni）。米开朗基罗不仅是一位伟大的雕塑家、建筑师，还是一名杰出的画家和诗人，他的作品以人物的“健美”而着称，即使女性的身体也将肌肉描画的健壮而结实，有人甚至说过米开朗基罗没有见过女性的裸体。米开朗基罗性格孤僻而且脾气暴躁，和达芬奇、拉斐尔都合不来，也经常和他的雇主发生矛盾，但米开朗基罗一生在艺术上极力追求完美，始终坚持自己的艺术风格。我曾经在奥利地的维也纳美术馆观赏过米开朗基罗的手稿，在宽大的展厅里他的手稿静静地躺在玻璃之下，历经岁月的洗礼却依旧神采奕奕，那种摄人心魄的震撼只有真的身临其境才可以感受的到。

米开朗基罗于1564年在罗马去世，他的艺术风格影响了几乎三个世纪的艺术家，他致力于了解人体、解剖人体、研究人体的结构和运动，这使他成为最充分发挥人体表现力的画家之一。与充满深遂智慧之美的达芬奇的作品不同，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。

《大卫》是米开朗基罗的代表作，也是大家最为耳熟能详的作品之一。它创作于公元1501－1504年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。这座雕像高2.5米，连基座高5.5米，是用整块大理石雕成，它被誉为西方美术史上最值得称赞的男性人体雕塑之一。大卫是圣经故事中的经典人物，从小机智勇敢赋予冒险精神，当非列士部族侵犯他的家乡，以色列城池受到严重威胁时，牧童出身的大卫挺身而出，用放牧时打死过狮子和熊的投石机把非列士的头领歌利亚杀死。大卫以他的赫赫战功，受到人民的拥戴，成了以色列最年轻的军事统帅。我想，大卫是米开朗基罗心目中英雄的化身，这座雕像将他想象中的英雄具体化的展示了出来。

《大卫》不仅是一座精美绝伦的雕像，它更是文艺复兴人文主义思想的具体体现。它对人体的赞美表面上看好像是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已经从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情和精力，他塑造出来的绝不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到充分表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》也是美术史上永恒的经典之作。

画作《最后的审判》是画家米开朗基罗·博那罗蒂创作于1536年至1541年间的一幅油画，现存于梵蒂冈博物馆。整幅画作大致可分为四个阶层，最上层是天国的天使，画面中央是耶稣基督，下层是受裁决的人群，最底层则是地狱。这幅壁画的中心主题是人生的戏剧，人注定要不断背离上帝，罪孽深重，但终将得到拯救。

这幅画作罗马教宗保罗三世命米开朗基罗为西斯廷天主堂绘制的一幅巨型祭台圣像画。《最后的审判》是一副1370 cm × 1200 cm的巨型作品，占据了西斯廷天主堂祭台后方的一整面墙壁。整幅画作气势宏大、人物多达400余人。但丁的《神曲》似乎给了那一时代很多艺术家创作的灵感，米开朗基罗创作此画其间也不断从赞美诗《最后的审判日》和但丁的《神曲》中的《地狱篇》中汲取灵感。米开朗基罗极力的想要去解决画中人物在从下面仰视时所应呈现的比例这一难题。他将上面的人物画得大些，底部的则画的稍小些，以适应自下而上的观赏效果。

《最后的审判》于1541年圣诞节前公布于世，整个罗马城为之沸腾。人民争相去瞻仰它，将其视若神明，尤其是壁画中央的耶稣，他被描画的惟妙惟肖，他有神的威力，他可以呼风唤雨，他可以救赎苦难的人们。米开朗基罗那超凡脱俗的写实主义，精湛无比的绘画手法使意大利人民为之倾倒了。

文艺复兴三杰“拉斐尔、达芬奇和米开朗基罗”是整个艺术史上的巨匠。他们毕生所创作的艺术作品给是人类历史上伟大的珍宝。他们留给世人的不仅仅是美轮美奂无与伦比的画作，他们还几乎定义了那个时代的审美趋势以及艺术模式。更多的是人类艺术史上具有里程碑意义的创造力和对美好事物竭尽全力的追求和展现。